Hace meses una ballena varada amanecía en París al borde del Sena… hoy un cachalote en el río Manzanares de Madrid

Hace unos meses amanecía ante el desconcierto de los parisinos una ballena varada en el Río Sena. Hoy en Madrid, a los pies del Palacio Real en el Río Manzanares aparecía un cachalote. Tras estos enormes cetáceos hay una intervención artística del colectivo belga Captain Boomer Collective.

Con estas instalaciones artísticas hiperrealistas se busca concienciar del cambio climático y otras acciones del ser humano que tienen nefastas consecuencias en el Planeta y en los seres vivos que lo habitan, como para nosotros mismos como para animales como los cetáceos.

No hay que olvidar que esta primavera apareció en Cabo de Palos un cachalote muerto con 29 kg de residuos y plásticos en su estómago.

El ser humano es capaz de hacer barbaridades como ocurrió en Chile donde una ballena varada donde personas se hicieron selfis subidas encima del animal e, incluso, marcaron la piel del animal sobre el que escribieron ‘mensajes de amor.

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La Proporción Divina o Aúrea en la Naturaleza

A raíz de esta foto que realizaba a un pulpo y la similitud del tentáculo de pulpo y de la forma que adoptó pegado a la roca con la espiral áurea me animo a escribir sobre la Proporción Divina o Aúrea en la Naturaleza e incluso en la música, en especial en un tema de uno de mis grupos favoritos, Tool.

A lo largo de la historia, desde pensadores hasta matemáticos o teólogos han meditado sobre la misteriosa relación que se establece entre el número áureo y la naturaleza de la realidad. Esta curiosa relación matemática, conocida popularmente como la Proporción Divina o Áurea, fue definida por Euclides hace más de dos mil años a raíz de su papel crucial en la construcción del pentagrama, al cual se le atribuyen propiedades mágicas.

Desde entonces, ha mostrado una propensión a aparecer en una variedad de lugares de lo más sorprendentes como en la formación de los flósculos de los girasoles y en la disposición de los pétalos de algunas plantas como los cactus o rosas.

Otro ejemplo es el del corazón de la manzana, en cuyo interior hay una curiosa estrella, llamada estrella pentagonal.

Encontramos de nuevo una extraña proporción que la asociamos con la naturaleza y la representación del número de oro en la forma tan particular que presentan las telarañas.

 

 

ZOES: Regeneración urbana y dinamización social a través del arte urbano en la Zona Oeste de Salamanca

El Barrio del Oeste es un barrio de Salamanca se ha convertido en un referente cultural. Gracias a la Asociación de Vecinos ZOES que realizan un destacado número de actividades con las que han conseguido dinamizar este barrio que poco a poco, ha conseguido convertirse en un auténtico foco de la cultura, el arte contemporáneo y el Street Art.
Mediante el proyecto Galería Urbana Barrio del Oeste las paredes de los edificios, las puertas de los garajes y el propio mobiliario urbano se convierten en lienzos de las obras de artistas que dan un toque diferente y atractivo a este barrio de la ciudad de Salamanca.
Además, al mismo tiempo, se pretende reactivar el pequeño comercio de la zona ofreciendo una transformación de los espacios públicos, haciéndolos más atractivos y acercar las diferentes expresiones artísticas contemporáneas a los ciudadanos, visitantes y vecinos del barrio.
 

El Barrio del Oeste empieza a dejar atrás el gris a cambio de un barrio colorido gracias a las obras de arte urbano que llama la atención de quienes lo transitan. Arte en la calle, y a veces también la cultura. Cada vez con mayor frecuencia la cultura a través del teatro, la música, la literatura, la danza no se circunscriben dentro de las paredes de un edificio cultural destinado a ello. Ya no. En el Barrio del Oeste conciben la cultura de otro modo, en la calle, en otros espacios (bares, comercios, galerías). La calle como escenario para la creatividad, sin invasión, sin apropiación como propuesta artística y cultural universal.

Este barrio ha alcanzado su apogeo con el proyecto Galería Urbana, el cual se  llevó a cabo siguiendo una iniciativa organizada conjuntamente entre la Asociación ZOES y el colectivo LemARTE. Desde que nació en la primavera del 2013, planteaba varios objetivos, desde dar opción a jóvenes artistas, hasta convertir el Arte Urbano en elemento transformador de un barrio que carece de equipamientos sociales, culturales, zonas recreativas, parques, jardines…es el barrio con mayor densidad de construcción de la ciudad.

Obra de Gennaro Ciccimarra en Galería Urbana Barrio del Oeste (Salamanca). Año 2017. Foto: @MoisesMnndz
Obra de Gennaro Ciccimarra en Galería Urbana Barrio del Oeste (Salamanca). Año 2017. Foto: @MoisesMnndz

El arte urbano en este barrio  y por ende en Salamanca arrancó en el mes de Junio del año 2013, un grupo de 25 artistas iniciaron este proyecto con el propósito de “acercar el arte a la calle, sacarlo de las galerías y confrontarlo con los vecinos”.

Se buscaron entre los jóvenes estudiantes de Bellas Artes artistas para desempañar las obras sobre lienzos que eran puertas de garaje (el barrio cuenta con 504 puertas de garajes). Se habló con los vecinos en un puerta a puerta que no fue fácil porque no se entendía que se proponía, hubo algunas reticencias y cierta confianza. Fue el punto de partida. Gracias al éxito y al eco que obtuvo en los medios de comunicación, se planteó una segunda fase, un concurso ya que se hizo coincidir con las Ferias de Septiembre del mismo 2013, el Ayuntamiento fue receptivo y lo incluyó en la programación, además desde entonces aporta parte de los premios, fue así como surgió el Concurso Galería Urbana.

Cada año se ha continuado con esta iniciativa artística en formato concurso para jóvenes artistas. Este proceso es realizado contando con la autorización escrita de los propietarios de los lienzos.

Esta iniciativa una vez iniciada provocó expectación a sus habitantes  ya que la plaza y el barrio gozan de una realidad artística distinta al resto de Salamanca, pues es inevitable encontrarse con grafitis artísticos que le otorgara belleza al barrio, o quizás otro aire como algunos dicen “más berlinés”.

Este proyecto ha supuesto que se haya convertido el barrio en un atractivo turístico… El Ayuntamiento lo llevó a FITUR e INTUR en el año 2015. Además de editar un plano guía, que actualmente se encuentra en su segunda edición y una aplicación de móvil…

La intención de estos artistas y la colaboración de las asociaciones y colectivos pertinentes permiten adoptar una mentalidad más abierta hacia la decoración artística de fachadas, edificios, mobiliario urbano en el barrio, otorgándole un aspecto juvenil y distinto a la capital salmantina.

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El Juguetero por Milu Correch. Foto @MoisesMnndz

No sólo el concurso Galería Urbana, otros artistas de más trayectoria han plasmado sus obras en el mobiliario urbano, paredes, edificios por el Barrio del Oeste, como es el caso de la artista argentina Milu Correch y su famoso “El Juguetero”. A finales del año pasado la web holandesa Street Art Today eligió entre los 7 mejores murales del mundo del mes de noviembre, una maravilla que la artista pintó en Quilmes (Argentina).

Ahora hay “lista de espera” en demanda de intervenir espacios, puertas de garajes, edificios.

"La revolución de los pinceles" el tercer galardón del concurso Galería Urbana ZOES 2014 (Salamanca). Foto @MoisesMnndz
“La revolución de los pinceles” el tercer galardón del concurso Galería Urbana ZOES 2014 (Salamanca). Foto @MoisesMnndz
Obra de Alice Pasquini en Galería Urbana Barrio del Oeste (Salamanca). Año 2016. Foto: @MoisesMnndz
Obra de Alice Pasquini en Galería Urbana Barrio del Oeste (Salamanca). Año 2016. Foto: @MoisesMnndz
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Foto: @MoisesMnndz
Foto: @MoisesMnndz
Foto: @MoisesMnndz

 

Galería Urbana Barrio Oeste 2018

Este año los pasados 20 y 21 de abril tuvo lugar la séptima edición, comparto un video y algunas fotos de las nuevas intervenciones y obras realizadas en esta edición del certamen.

 

 

 

 

 

 

 

Perlora, de ciudad residencial a ciudad fantasma

Construida en el año 1954 e inicialmente concebida como una ciudad sindical, perteneciente a la organización Educación y Descanso, para el retiro vacacional de trabajadores, la Ciudad Residencial Perlora conoció un gran auge entre los años 60 y 80, en los que llegó a adquirir renombre a nivel nacional. Tras 50 años de funcionamiento, su drástico cierre en 2006 supuso un punto y aparte en la historia de un complejo único tanto arquitectónico, como urbanístico y paisajístico.

 

La Ciudad Residencial de Perlora, promovida por la Organización Sindical Española (o comúnmente llamado Sindicato Vertical) al igual que otras levantadas en el resto de la geografía española, y bajo el impulso de Servando Sánchez Eguíbar, surge de la necesidad de incentivar al trabajador mediante el “acceso y disfrute de todos los bienes de la cultura, la alegría, la milicia, la salud y el deporte”, aunque también pretendía mantener la paz social.

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Comparto este reportaje del NODO, un fragmento de una obra más amplia titulada “Felices vacaciones” de José López Clemente, donde hace un repaso a las instalaciones turísticas más representativas de la España de los años 60: La Ciudad Sindical de Perlora.

El proyecto fue ejecutado por los hermanos Francisco y Federico Somolinos, la  Ciudad Residencial de Perlora se planteó como un espacio de muy baja densidad, equilibrado y autónomo. Los trazados de las calles, la distribución y organización de los edificios principales si bien fueron obra de ambos, fue Federico el encargado del apartado constructivo y la dirección de las obras. También fueron autores de un gran número de chalets de la Ciudad, imprimiendo una gran variedad tipológica en la que incluían los característicos chalets-hórreo.

Chalets-hórreo en la Ciudad de Vacaciones de Perlora
Chalets-hórreo diseñados por los Hermanos Somolinos. Ubicados en la C/Mieres, nº 25 y nº48, Ciudad Residencial de Perlora.

Los hermanos Somolinos Cuesta también diseñaron la Iglesia de la Ciudad Residencial de Perlora, la cual describen Fernando Nanclares y Nieves Ruiz en “Lo moderno de nuevo. Arquitectura en Asturias 1950-1965” como:

“La iglesia es un curioso objeto de aspecto un tanto brutalista que parece el molde dictado por las necesidades funcionales y lumínicas del espacio interior. Éste, de gran desnudez, se enfrenta a una paramento de piedra con despiece irregular en el que se dispone un mural de la Sagrada Familia del artista Magín Berenguer (Oviedo 1918-2000). Parece un ejercicio de funcionalismo extremo que elude cualquier idea formal previa para aceptar que la imagen exterior sea inexpresiva, resultado espontáneo de los requisitos espaciales del interior.”

Iglesia de la Ciudad Residencial de Perlora (abandonada)
Iglesia de la Ciudad Residencial de Perlora (abandonada) Arquitecto: Hermanos Somolinos Cuesta / Francisco Somolinos Cuesta y Federico Somolinos Cuesta. (1956, Perlora, Carreño, Asturias)
Alojamiento Tipo D. Arquitecto: Juan José Suárez Aller. Ubicado en la Calle Oviedo nº16, Ciudad Residencial de Perlora.

Alojamiento tipo E. Arquitecto: Juan José Suárez Aller. Ubicado en la C/ Langreo, nº3, Ciudad Residencial de Perlora

Alojamiento Subtipo Dbis, Calle Carreño nº38, Ciudad Residencial de Perlora.

A día de hoy por la Ciudad Residencial de Perlora, a pesar de estar estos alojamientos abandonados, la gente acude por allí hacer deporte, pasear, al parque infantil y en verano se llena de personas que acuden a sus playas. Algunos de estos veraneantes ya lo fueron hace más de 30 años cuando acudían de vacaciones con sus padres y abuelos o fueron extrabajadores, camareros y personal de limpieza de las instalaciones y siguen acudiendo allí como si nada pasara, a tomar el sol frente a casa tapiadas y a comer a la sombra del porche de estás casas abandonas.

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Foto de Andrés Solla de su trabajo en 2013 en el que retrata a los veraneantes que siguen acudiendo a Perlora.

Podéis leer este artículo de Yorokobu en el que el fotógrafo asturiano Andrés Solla retrató en 2013 a los veraneantes de la Ciudad Residencial de Perlora.

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Foto del proyecto fotográfico “Ciudad de vacaciones” de Andrés Solla.

Comparto un proyecto “Un Futuro para Perlora” de Adcava, un joven arquitecto que presenta un interesante y detallado proyecto con el que pretende consolidar el espíritu de este conjunto urbano ideado a finales de la década de 1950, manteniendo la idea de microciudad, desestacionalizando su uso. Para ello, más allá de una rehabilitación concienzuda y respetuosa de las edificaciones, se trataría de un nuevo proyecto urbano aprovechando y potenciando los hitos de oportunidad que ofrece la Ciudad, mediante diversificación funcional, el rediseño del viario-parque y la interconexión con el resto de la parroquia, y por ende, de la capital municipal.

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De la música electrónica a un poeta persa

Al escuchar la canción “MAN O TO” del productor de música electrónica NU descubría en su interior al poeta persa Rumí nacido en el año 1.207.

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Hace tiempo escuchaba esta hipnótica canción que recordé con estas fotos a un petirrojo que perseguí por la nieve para hacerle fotos. ¡Escuchadla a ver que os parece!

Investigando sobre la letra de la canción descubría que pertenecía a un poema de un poeta persa nacido en 1207 en Balj, en la actual Afganistán y de nombre Rumí.

NU es un productor berlinés de música electrónica  e ingeniero de sonido, un nómada de los tiempos modernos, que ha viajado por todos continentes con su música y ha ido tomando influencias y empampándose de la cultura local de cada lugar.

Al perseguir a este juguetón petirrojo para conseguir hacerle alguna foto, recordé el poema de Rumí que gracias al tema de NU descubrí, comparto su traducción.

UN MOMENTO DE FELICIDAD

Un momento de felicidad,
tú y yo sentados en la baranda,
aparentemente dos, pero uno en alma, tú y yo.
sentimos el Agua de Vida que fluye aquí,
tú y yo, con la belleza del jardín
y el canto de las aves.
Las estrellas nos mirarán,
y les mostraremos
lo que es ser una fina luna creciente.
Tú y yo fuera de nosotros mismos, estaremos juntos,
indiferentes a conjeturas inútiles, tú y yo.
Los papagayos del paraíso harán el azúcar crujir
mientras reímos juntos tú yo.
de una forma en este mundo,
y de otra en una dulce tierra sin tiempo.
Os dejo el canal de SoundCloud de NU por si queréis escuchar más sets.

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Vhils: Arte urbano a golpe de cincel

 

Este verano realizando un tour por Portugal, en concreto por el Alentejo descubría esta obra del artista urbano portugués  Alexandre Farto alias Vhils.

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Obra de Vhils en Monte da Fonte Santa (Alandroal, Portugal)

Esta maravilla pude verla en persona y tocar esas cicatrices llenas de arte en las paredes de un alojamiento rural Monte da Fonte Santa, en la carretera de Alandroal a Monsaraz.

Vhils tiene una prolífica obra que van del collage al retrato realizadas en paredes, madera, en corcho… crea sus obras a partir de materiales hallados in situ, creando espectaculares obras con técnicas que van del tallaje de las paredes con cincel o mediante explosivos.

 

 

 

 

Después de experimentar con el cemento, los ácidos, la serigrafía y hasta con el polispán, en Asia ha abrazado el neón.

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Vhils en Hong Kong.

Con su sorprendente y popular “arañando la superficie” trata de centrarse en “el acto de destrucción para crear”. Aplicando sus peculiares técnicas de destrucción creativa, Vhils cava en las capas superficiales de nuestra cultura material como un arqueólogo urbano contemporáneo, exponiendo lo que está más allá de la superficialidad de las cosas, restaurando el significado y la belleza que estaba ausente bajo esas primeras capas que el destruye.

 

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Vhils es un artista de reconocido prestigio internacional, licenciado por la universidad de las Artes de Londres, que ha expuesto en galerías de Hong Kong, Londres, Brasil y Shanghái, entre otros, y ha colaborado también importantes proyectos artísticos internacionales como ‘Look at Porto’ o ‘Keith Haring 1978-1982’. Sus obras están presentes en muros de todo el mundo (Portugal, España, Francia, UK, Italia, Polonia, Alemania, Noruega, Rusia, USA, México, Colombia, Brasil, Argentina, Senegal….)

 

 

 

 

Comparto una de sus últimas obras donde VHILS junto a Splash and Burn cincela un mural en Medan, Sumatra (Indonesia) de un Orangután de Tapanuli, una nueva especie de orangután descubierta e identificada en 2017 en los bosques del norte de Sumatra. Su población se estima en 800 ejemplares y está en peligro de extinción debido a las prácticas no reguladas del cultivo de aceite de palma en la región y a un nuevo proyecto para construir una presa en la región de Tapanuli que puede condenar al animal a la extinción.

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Dicen las estrellas que los fugaces somos nosotros

Descubría esta maravillosa frase de la mano de una foto de mi amiga Carmen.

Una acertada frase de las estrellas pues nuestra vida comparada con la suya es de un milésima de segundo… sin perder más tiempo de mi fugaz existencia comparto algunas fotos realizadas a la Luna.

La primera una de la noche del 27 de julio, que tuvo lugar el eclipse lunar total más largo del siglo XXI.

Comparto otra fotografía de la Luna de hace unos días que estaba preciosa y lanzaba esta pregunta al aire en Instagram: ¿De dónde saca las pelas la Luna para salir todas las noches?. Esta pregunta es parte de la canción “Baja por diversión” de La Fuga.

Me encanto la respuesta de mi amiga Maika: “De los derechos de imagen y royalties que recibe de todas las fotografías que le hacen y de todas las poesías y canciones que le dedican”. Genial.

Por último, comparto esta foto realizada en colaboración con mi amigo el gato Lucky que pasó y movió el tripode mientras fotografiaba la Luna y el resultado de su obra es esta.

Para acabar comparto la canción de La Fuga:

El artista urbano Invader puede ser llamado a declarar por invadir Málaga con sus mosaicos

En mayo de 2017, el artista francés Invader realiza en Málaga su personal y peculiar invasión de Málaga con sus mosaicos de cerámica y pintura que representan figuras del mítico videojuego de los ochenta Space-invader. La Fiscalía de Medio Ambiente de Málaga se querellaba contra el artista por supuestamente colocar dos de sus mosaicos en dos edificios catalogados como Bien de InterésCultural (BIC) del centro de la capital malagueña, el Palacio Episcopal y el Palacio de Salinas.

Para quien no conozca a Invader, Wikipedia asegura que el artista nació en París en 1969. Su obra se basa en la cruda pixelación de los videojuegos de 8 bits de los años setenta a los ochenta. Estudio en la Escuela de Bellas Artes de París y comenzó a exponer sus obras por la calle a finales de 1990 ya que, como a muchos otros artistas contemporáneos, le resultaba muy complejo que su obra llegara a distintos museos y galerías. Su fama se disparó al aparecer en el documental Exit through the gift shop, en el que aparecen otros artistas reconocidos como Shepard Fairey o Banksy.

Invader ha realizado sus piezas en 76 ciudades de todo el mundo y 29 fueron los mosaicos del artista urbano localizados a finales de mayo de 2017 en distintas calles y edificios del Centro Histórico de Málaga. La relación del grafitero Invader con Málaga se ha convertido en un culebrón pues la denuncia presentada en los juzgados se extiende también al director del Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC Málaga), Fernando Francés, por ser presuntamente la persona que invitó a Invader a intervenir en la ciudad.

El pasado 18 de junio el Fiscal pedía la retirada de los mosaicos que puso el artista urbano Invader en distintas calles y edificios del centro de Málaga, algunos de ellos declarados Bien de Interés Cultural (BIC), ya que no afecta a la investigación y además se restablece el orden jurídico perturbado (sic).

Pude toparme y realizar algunas fotos de los mosaicos de Invader antes de que fueran retirados. Comparto algunas fotos.

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Tras enterarme de todo este tinglado respecto a las obras de Invader en Málaga, busco información y leo noticias como la petición por parte del Ayuntamiento de Málaga a los vecinos que sean ellos mismos quienes retiren los mosaicos de Invader de las fachadas de sus inmuebles.  Comparto dos interesantes artículos publicados en Diario SUR al respecto:

 

En el canal de Instagram de Invader podréis ver sus mosaicos repartidos por todo el mundo, como por ejemplo este en Santa Mónica.

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Surfin’ Santa Monica …

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El año pasado por estas fechas tuve un ‘affaire’ con Scarlett Johansson en el AVE

El año pasado por estas fechas coincidía con Scarlett Johansson en el AVE, un bello amanecer visto desde el AVE que fotografié nos unió …

Viajamos durante el mes de julio juntos, en cada uno de los trayectos, disfrutando de cada amanecer, de cada atardecer …

Coincidiendo en Barcelona Sants, en Madrid-Puerta de Atocha, también en Valencia Joaquín Sorolla o en Sevilla-Santa Justa …

 El affaire duro un mes, lo que duran los amores de verano y más de lo que duran dos peces de hielo en un whisky on the rocks …

… fue muy bonito mientras duró …

… o acaso hay algo más romántico e inolvidable que compartir viajes en tren…

 Mil gracias a Revista Club +Renfe por haberlo hecho posible.

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La foto que desde la Revista Club +Renfe seleccionaron para incluir en el número de julio del año pasado, la realicé viajando al amanecer en AVE hacia Zaragoza, en concreto el día 9 de marzo de 2016 y viendo y fotografiando este amanecer me enteraba que había  fallecído el productor musical George Martin, el llamado “Quinto Beatle”.

El pasado 1 de junio se cumplían los 51 años del lanzamiento de uno de los disco más influyentes de todos los tiempos, el ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ de los The Beatles.

¡Te dedicó esta canción, mi Scarlett bella!

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Las fotos más íntimas de Picasso por Duncan en Buitrago del Lozoya (Madrid)

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El Museo Picasso – Colección Arias – de Buitrago del Lozoya cuenta con una peculiar colección fraguada a través de una larga amistad de 26 años entre dos españoles exiliados: el artista Pablo Ruiz Picasso y su barbero, Eugenio Arias. Hasta el 22 de julio además cuenta con la exposición de 60 fotografías pertenecientes a la colección del Museo de Picasso de Barcelona realizadas por el fotógrafo norteamericano David Douglas Duncan sobre Picasso y su entorno más íntimo y cercano a través de más de 65 imágenes realizadas durante más de diecisiete años de amistad. En el siguiente artículo repasaremos algunas de estas fotografías y la Colección Arias.

Picasso por Duncan. La mirada cómplice

Nacido en 1916, el norteamericano David Douglas Duncan inició su carrera profesional como reportero de guerra durante la Segunda Guerra Mundial. En 1946 fue contratado por la revista Life y comenzó una carrera que le llevó a cubrir diferentes conflictos bélicos por todo el mundo. David Douglas Duncan fallecía el pasado jueves 7 de junio en Grasse (Francia) a los 102 años de edad.

El prestigioso fotógrafo Robert Capa, amigo de Duncan, fue el que le animó a conocer a Pablo Picasso, pues estaba seguro de que, como finalmente sucedió, los dos se convertirían en buenos amigos.

 En 1956, en uno de sus viajes a Europa, probó suerte, se dirigió a Mougins, Cannes, y se presentó en la casa del artista, La Californie, con un anillo grabado con los nombres ‘PICASSO – DUNCAN’ como regalo de bienvenida, siendo recibido por el artista mientras éste se bañaba.

Picasso se da un baño en la primera visita de Duncan al pintor en su vasa de La Californie (Cannes) el 8 de febrero de 1956.

Fue cuando le tomó su célebre primer retrato y surgió una amistad con Picasso y Jacqueline que se prolongó durante 17 años hasta la muerte del andaluz en 1973 y que propició miles de fotografías (25.000) y siete libros que introducen al lector en un espacio reservado para el trabajo, la familia y los amigos del pintor.

David Douglas Duncan y Pablo Picasso en La Californie. Cannes, 1960.

Una de las imágenes más simpáticas muestra a Lump junto a un conejo de cartón recortado por Picasso, que sonríe mientras juega con el perro. Su amor era tan profundo, que este salchicha era el único perro con el que Picasso podía trabajar e, incluso, dormían juntos.

Picasso en el salón de La Californie con algunas de sus obras. Cannes, 1957.

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Picasso con Jacqueline firmando obras en La Californie. Cannes, 1960.

Cabeza de toro colgado en el salón de La Californie. Cannes, 1957.

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Picasso y Arias

La amistad entre P. Picasso y E. Arias, surgida entre en Vallauris, Francia, articula el sentido de la colección de Buitrago del Lozoya.

El Museo, dedicado al arte y la amistad, resulta un claro ejemplo de las consonancias y las relaciones que se establecieron entre ellos, reflejando las aficiones, las pasiones y las preocupaciones compartidas: el exilio, la afición a los toros, la militancia izquierdista, la nostalgia por la cultura española y el respeto y afecto a la profesión de barbero.

Eugenio Arias cortando el pelo a Picasso en La Californie, 1957. El barbero, oriundo de Buitrago de Lozoya, da nombre al museo de la localidad madrileña que acoge la exposición.

 

El núcleo principal de la colección está formado por obras regaladas y dedicadas por Picasso a Eugenio Arias. Este conjunto, de naturaleza muy variada, reúne dibujos, obra gráfica, cerámicas, carteles, libros dedicados y otras singulares como una caja de útiles de peluquero pirograbada y una placa de cagafierro.

Forman parte del conjunto, varias fotografías de André Villers, aportadas por Arias al Museo en la década de los noventa y un busto escultórico de Picasso realizado por Francisco Aguilar.

A este núcleo se suman ocho piezas de cerámica procedentes de la colección de la antigua Diputación Provincial de Madrid, que se incorporaron a la colección Arias a finales de la década de los ochenta. Las últimas adquisiciones realizadas por la Comunidad de Madrid han sido dos estampas en el año 2005, a través del 1% cultural, tres fotografías de David Douglas Duncan en el año 2011 y dos donaciones de obras. La colección actualmente se compone de un total de 75 piezas.

La mayor parte de las piezas pueden ser datadas con precisión entre octubre de 1948 y diciembre de 1972.

HORARIOS

De Martes a Viernes: de 11:00 a 13:45 y de 16:00 a 18:00 h.
Sábado: de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 19:00 horas.
Domingo y festivos: de 10:00 a 14:00 horas.

Cerrado: Lunes y días 1 y 6 de Enero, 24, 25 , 31 de Diciembre, Domingo de Pascua y un festivo local

Entrada gratuita

Pza. de Picasso, 1
28730 Buitrago del Lozoya
Tel.: 91 868 00 56
Fax: 91 868 06 30

 

 

Cecil Beaton, fotógrafo de iconos de la cultura, de la realeza y aristocracia y de mitos de Hollywood

Hasta el 19 de agosto, la Fundación Canal acoge la exposición ‘Mitos del siglo XX’ del polifacético fotógrafo Cecil Beaton. Una exposición que recoge una amplia selección de retratos de conocidos personajes del mundo del arte, la cultura, la moda, la sociedad y la política del siglo XX.
La exposición recoge una amplia selección de retratos del polifacético fotógrafo, un total de 116, entre los que se encuentran algunos de los personajes más relevantes del siglo XX que, además, contribuyeron a su transformación: desde consagrados artistas —en su gran mayoría de Hollywood—, como Audrey Hepburn o Marlon Brando; grandes creadores convertidos en iconos de la cultura, como Salvador Dalí o Jean Paul Sartre, y de la moda, como Cristobal Balenciaga o Cocó Chanel; e influyentes y destacados personajes de la alta sociedad, de la aristocracia y de la realeza, como la Reina Isabel II de Inglaterra o El Duque de Alba, Jacobo Fitz-James Stuart.

 

Cecil Beaton (1904-1980) fue uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX. Firmó imágenes icónicas de algunas de las figuras más destacadas de la época. Sus obras abarcan seis décadas y son la crónica de un periodo que cambió la historia del mundo.

El 1968 se inauguró su muestra histórica en Londres organizada por la National Portrait Gallery. Aquella fue la primera retrospectiva de un fotógrafo vivo celebrada en un museo nacional británico y marcó un cambio de actitud hacia la fotografía como disciplina artística. Cincuenta años después, la Fundación Canal y PHotoEspaña presentan Cecil Beaton. Mitos del siglo XX, la primera retrospectiva dedicada al fotógrafo que se hace en España, una oportunidad única para contemplar los grandes mitos del siglo XX a través de la mirada del retratista por excelencia de la alta sociedad de la época.

Beaton fue un gran innovador. Demostró una gran agudeza visual y creatividad en sus trabajos, especialmente para adaptarse a las modas oscilantes consiguiendo reinventarse en cada época, por muy diferentes que estas fueran.

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Cecil Beaton capta a una Barbra Streisand que nos recuerda a Nefertiti. Foto de @MoisesMnndz en la exposición “Mitos del siglo XX”

Beaton, además se caracterizó por desarrollar una gran sensibilidad que le llevó a matricularse en Historia, Arte y Arquitectura. Sin duda, esta especialización, y su consecuente visión polivalente, influiría en su trayectoria profesional como fotógrafo, escenógrafo y diseñador de vestuario para el teatro y la gran pantalla, cronista de la moda, brillante escritor, corresponsal de guerra…En definitiva, estamos hablando de uno de los artistas multidisciplinares contemporáneos más destacados.

Marlon Brando por Cecil Beaton.
Marlon Brando por Cecil Beaton. Foto: @MoisesMnndz

Creadores de vanguardia, iconos de la cultura, de la realeza y de la aristocracia europea, estrellas de Hollywood… Todos ellos fueron inmortalizados por la cámara de Cecil Beaton, el artista que consiguió mostrar un mundo estilizado y exquisito, sin dejar de lado su naturaleza más pura y humana.

A Picasso lo retrató sentado en la bañera de su estudio, vestido de punta en blanco.

LA EXPOSICIÓN: CECIL BEATON, MITOS DEL SIGLO XX

Esta exposición recoge una amplia selección de retratos, un total de 116, que Cecil Beaton hizo de personajes del mundo del arte y la cultura, la moda, la sociedad y la política, así como de la industria cinematográfica hollywoodiense, a lo largo de toda su carrera profesional. Llegó un momento en que su fama era tal que todo el mundo quería un retrato de Beaton.

Teniendo en cuenta los ámbitos de la sociedad a los que pertenecían los fotografiados, la muestra se ha dividido en cuatro grandes secciones temáticas: Cine y Hollywood, Arte y cultura, Moda y belleza, Sociedad y política.

Cine y Hollywood

En esta sección podemos contemplar retratos de los grandes protagonistas del cine, en su mayoría representantes de la época dorada hollywoodiense. Todos ellos tuvieron, en distinta medida, relación con el fotógrafo, que era también una figura destacada de este sector debido a su trabajo como diseñador de vestuario y escenografía.

A lo largo de su vida, Beaton pasó bastante tiempo en Estados Unidos. Viajó por primera vez a Nueva York en 1928 y, a partir de entonces, regresó cada año, alojándose en diversos hoteles cuyas suites se encargó de diseñar, decorar y usar como estudios improvisados en los que pudo fotografías a estrellas como Marilyn Monroe, María Callas o Joan Crawford.

A Monroe la fotografió en su suite del Hotel Ambassador de Nueva York, tras llegar esta una hora tarde. Beaton escribió más tarde que le perdonó el retraso al momento “porque su ingenio y picardía de niña me rompieron los esquemas. Son irresistibles”. Las fotografías de esta sesión se publicaron en varias revistas, entre ellas Look, Illustrated y Harper’s Bazaar.

 Foto @MoisesMnndz en la exposición “Mitos del siglo XX” en la Fundación Canal (Madrid).

En 1932 conoció, en uno de sus viajes a Hollywood, a una de sus grandes obsesiones, ni más ni menos que a Greta Garbo; aunque no la volvió a ver hasta 1946 cuando organizaron una sesión de fotos en el Hotel Plaza de Nueva York con la excusa de hacer unas fotografías para el pasaporte de la actriz… Beaton dijo de ese encuentro que había sido “uno de los acontecimientos más importantes” de su vida. De hecho, más tarde, el fotógrafo, obsesionado con la actriz, le propuso matrimonio, pero esta le rechazó.

Greta Garbo
Greta Garbo. ©The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby’s.

Leslie Caron por Cecil Beaton.  Foto @MoisesMnndz en la exposición “Mitos del siglo XX” en la Fundación Canal (Madrid).

Casi 20 años después, en 1963, pasó diez meses en la meca del cine, diseñando los decorados y el vestuario de la versión cinematográfica de My Fair Lady, protagonizada por Audrey Hepburn. Este trabajo le valió dos premios Oscar, a la dirección artística y al diseño de vestuario, que se sumarían al Oscar que había obtenido en 1957 por el vestuario de la película Gigi, protagonizada por Leslie Caron.

Arte y Cultura

A lo largo de su carrera, posaron ante su cámara las figuras más destacadas del arte y la cultura internacional, y los retratos de muchas de ellas forman parte de esta sección.

Beaton comenzó su carrera fotográfica en casa de sus padres, donde creó un estudio provisional. Pronto llegó a su vida Edith Sitwell, poetisa de vanguardia y hermana de Osbert y Sacheverell, que se convirtió en una de sus modelos más frecuentes. Los Sitwell eran muy influyentes y su padrinazgo fue muy importante para el lanzamiento de la carrera del fotógrafo.

Cuando vio a Edith recitar Facade, en 1926, se quedó muy impresionado. La calificó como un “alto y elegante espantapájaros, realmente hermoso”. Este retrato fue el resultado de una sesión fotográfica que se llevó a cabo con motivo del 75 cumpleaños de la escritora.

 Foto @MoisesMnndz en la exposición “Mitos del siglo XX” en la Fundación Canal (Madrid).

Esta sección incluye retratos de importantísimos pintores como Pablo Picasso, Salvador Dalí o Francis Bacon; escultores como Henry Moore o Alberto Giacometti; músicos como Mick Jagger, Igor Stranvinsky o María Callas; bailarines como Rudolf Nureyev o Marta Graham; o escritores, poetas, filósofos y dramaturgos como Truman Capote, André Malraux, Jean Cocteau, la ya citada Edith Sitwell, Jean-Paul Sartre o Colette. 

Truman Capote, sobre Cecil afirmó que “su inteligencia visual es la de un genio… Escuchar como describe Beaton, en términos estrictamente visuales, a una persona, un lugar o un paisaje, es asistir a una representación divertida, brutal o bellísima, pero siempre y sin ningún género de dudas, brillante. Es justamente esto, la inteligencia extraordinaria y comprensión visual de sus fotografías, lo que hace que la obra de Beaton sea única.”

Foto de Cecil Beaton de Truman Capote. Foto de @MoisesMnndz en la exposición “Mitos del siglo XX” en la Fundación Canal.

En 1958, Beaton trabajó en el diseño de vestuario para la adaptación al cine de la novela de Colette, Gigi, labor que le reportaría un premio Oscar. Leslie Caron actuó en el papel protagonista, el mismo al que Audrey Hepburn daría fama gracias a la versión de Broadway.

La primera vez que Beaton fotografió a Mick Jagger fue cuando coincidieron en un hotel de Marrakech, en 1967. Lo encontró un tipo muy peculiar y se mostró encantado de retratarlo de nuevo en su suite del neoyorquino Hotel Plaza dos años después. La sesión no empezó con buen pie pues Jagger hizo esperar un buen rato a Beaton: se había quedado dormido. Beaton opinaba sobre Jagger: “Es un buen tipo, increíblemente fotogénico”. de 1951.

El fotógrafo británico Cecil Beaton describe a Mick Jagger como un “eunuco”.

Foto de @MoisesMnndz en la exposición “Mitos del siglo XX” en la Fundación Canal.

Moda y Belleza

No hubo personalidad relevante que escapara en esos años al escrutinio de su cámara. Fotografió a los grandes iconos de la moda como Elsa Schiaparelli, Coco Chanel, Diane Vreeland, Christian Dior o Cristóbal Balenciaga, entre otros, y en sus retratos consigue mostrar la naturaleza más frágil y humana del personaje. De Balenciaga dijo que “era un verdadero líder” y que sus vestidos nunca pasarían de moda “porque se apoyan en sólidos cimientos. Balenciaga es un español serio y abstemio, un arquitecto magistral que trabaja con líneas imperecederas”.

También fotografió a otros personajes destacados en el universo belleza-moda, como la empresaria polaco-estadounidense Helena Rubinstein, fundadora de la compañía de cosméticos homónima, o a las supermodelos inglesas Leslie Lawson (“Twiggy”), Jean Schrimpton, y Penelope Tree, modelo de Vogue y musa del fotógrafo de moda David Baile.

Comparto un graffiti de Helena Rubinstein en el barrio judío de Cracovia (Kazimierz) dónde nació en 1872. Su familia era pobre y nada hacía presagiar su futuro como una de las mujeres más importantes y ricas en el mundo de la belleza. Foto: @MoisesMnndz

Sociedad y política

A Beaton siempre le hicieron sentir inseguro sus orígenes de clase media, y durante toda su vida huyó de la educación popular que a sus ojos había recibido. Su cámara hizo las veces de tarjeta de visita para acceder a un mundo al que deseaba pertenecer y hacerse un hueco en él.

Beaton tenía amigos ricos, famosos, políticos, aristócratas y miembros de la realeza; entre ellos, su amigo y mecenas Stephen Tennant, uno de los líderes de los llamados The Bright Young Things (“Jovencitos Brillantes”), grupo de jóvenes aristócratas bohemios, conocidos durante las décadas de 1920 y 1930 por su estilo de vida hedonista.

Beaton tomó las fotografías oficiales de la coronación de la reina Isabel II en 1953. También posaron para él otros miembros de la realeza internacional como la Reina Sofía o de la aristocracia como el 17º duque y la 18ª duquesa de Alba o la Baronesa Fiona Thyssen- Bornemisza. Esta última, nacida en Nueva Zelanda en 1932, fue una de las modelos más populares e icónicas de su época. Era una de las favoritas de Beaton y aparecía regularmente en la portada de importantes revistas, como Vogue o Life. En el apogeo de su carrera como modelo llegó a ganar dos mil libras al día, toda una fortuna a mediados de los cincuenta. En 1956 se convirtió en la tercera esposa del barón Heinrich Thyssen-Bornemisza.

En esta sección de la exposición también encontramos los retratos de otras personalidades como como Jacqueline Kennedy, el torero Luis Miguel “Dominguín” o la estadounidense Barbara Hutton, considerada una de las mujeres más ricas del mundo.

Complementariamente, la exposición incluye algunas de las portadas de las revistas de la época cuyas fotografías fueron tomadas por Beaton. Destaca una de ellas tomada durante la II Guerra Mundial, en 1940. Beaton recibió un encargo del Ministerio de Información británico para documentar fotográficamente los frentes del conflicto, incluyendo la ciudad de Londres tras los bombardeos. Sus fotografías de Eileen Dunne, una víctima de tres años, aparecieron en la portada del número de septiembre de Life y en un póster americano para la captación de fondos. Durante los años de guerra, también fotografió a políticos como Sir Winston Churchill o el general Eisenhower, que liberó el campo de concentración de Buchenwald, cerca de Weimar en Alemania.

 

Art|Banchel. Cruza el río y visita los estudios de Carabanchel, el Distrito del arte

Cada vez son más los artistas que se mudan con sus estudios al barrio madrileño de Carabanchel. El ambiente y el menor precio del alquiler ha ayudado a que muchos artistas establezcan en este distrito sus estudios. El año pasado nacía de forma espontanea ArtBanchel, una iniciativa en la que estos estudios abrían sus puertas y realizaban actividades, este fin de semana tiene lugar la segunda edición ¡No os lo perdáis! 

Art | Banchel 2 es la continuación a una iniciativa que comenzó en 2017 de agentes culturales establecidos en 30 estudios en el Barrio de Carabanchel Bajo.  En esta segunda edición que se celebra desde hoy hasta el domingo, los espacios se transforman de nuevo en un gran corredor cultural donde habrá 52 actividades realizadas por otros tantos artistas invitados: performance, teatro, radio, música, instalaciones, charlas, actividades infantiles, exposiciones o danza, convirtiendo así los 30 estudios en un gran escenario expandido por Carabanchel.

Para esta ocasión colaboran con Acca Atelier, evento­ anual de la Asociación ACCA que se celebra en la ciudad Turín, Italia, donde participan artistas y estudios de toda la ciudad y se promueven colaboraciones entre artistas locales e internacionales. ArtBanchel, en intercambio, acogerá a dos.

¡Cruza el río y disfruta de las actividades que tendrán lugar desde hoy hasta el domingo, la primera edición fue una maravilla! ¡No te lo pierdas!

Programación

Descarga el PDF de la programación completa, listado y dirección de estudios y la propuesta gastronómica

Comparto esta pieza del telediario de La2 de ayer.

Comparto una foto del año pasado de la performance de Enrico de Wey con las obras de Isabel y Elena Pan de Soraluce en Urg3l bajo la iniciativa de  @artbanchel

 

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@juliofalagan en EL GRIFO ¡Abierto hasta las 21h!

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¿Banksy, has estado en Ferrol?

Canido, un barrio de la periferia de Ferrol cuenta desde hoy con la que podría ser la primera obra de Banksy en España. La obra respondería así al llamamiento que el pasado verano la marca cervecera 1906 hizo al artista con vallas publicitarias en su Bristol natal y con anuncios en periódicos internacionales, invitándole a ir hasta Canido a dejar su arte e impronta en un espacio reservado para el.

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Las Meninas de Canido es un proyecto cultural que inició el artista Eduardo Hermida pintando en fachadas abandonadas y que fue haciéndose famoso y siendo visitado por curiosos y amantes del arte urbano, hasta que en 2008 organizó un festival que se repite cada año el primer fin de semana de septiembre, hasta convertirse en un festival que ha sobrepasado las fronteras de lo artístico y es todo un ejemplo de regeneración urbana. Este movimiento artístico, es toda una oda al arte alrededor de la pintura, la música, la artesanía o la fotografía a la que acuden 1.200 artistas. Todos ellos, procedentes no solo de España, sino también de todas partes del mundo, para así dejar su legado en el barrio ayudar a proyectar Canido de forma global tal y como pretendía Eduardo Hermida cuando comenzó este proyecto para impedir una fuga de habitantes.

Este verano la empresa cervecera Estrella de Galicia comenzó una campaña sin precedentes con un enorme eco nacional e internacional consiguiendo visibilizar el barrio de Canido en Ferrol tanto a través de los medios de comunicación españoles como a través de una campaña de publicidad en vallas en Bristol -la ciudad donde nació Banksy- y medios extranjeros como The Times, The Daily Telegraph, La Repubblica, Le Parisien o The Guardian que buscaba trasladar el mensaje al propio Bansky y supiera de la existencia de este proyecto artístico que le reservaba una pared a Bansky pudiera dar rienda suelta a su Street Art con el objetivo de que el mundo pusiera sus ojos en el barrio ferrolano.

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Valla publicitaria del proyecto artístico “Las meninas de Canido” de Ferrol en Bristol, la ciudad de nacimiento de Banksy.

“Tener el arte del más grande artista urbano del mundo nos hace merecedores de dignificar nuestro proyecto haciéndolo más grande aún”, afirma Eduardo Hermida, el artista gallego que comenzó este proyecto. Y prosigue: “Si el artista acude a nuestra llamada, hace que las Meninas de Canido sea un proyecto universal y, si se trata de un triste falsificador, dota a nuestra iniciativa de la capacidad de la reproducción para que autores desconocidos puedan enseñar sus técnicas inspiradas en los más grandes. Sea como sea, Las Meninas de Canido alcanzan la consolidación como referente en el arte urbano actual”.

En la actualidad, la posible obra de Banksy comparte espacio con más de 250 pinturas de autores de la talla de Antón Patiño, Menchu Lamas, César Lombera, Moncho Borrajo, Víctor Coyote o Jorge Llorca, entre otros, que han hecho de las paredes del barrio de Ferrol su lienzo para plasmar su particular visión de la obra más célebre de Diego Velázquez.

Las Meninas de Canido, Ferrol.
Las Meninas de Canido, Ferrol.

Sea una obra de Banksy o una versión española de una obra suya, Canido está en boca de todos y gracias a esta noticia del posible primer Banksy realizado en España, somos much@s l@s que hemos conocido este proyecto artístico y de regeneración urbana que estamos deseando visitar.

Es hablar de Ferrol y querer compartir como broche final esta canción de Los Limones que dedico a todas las personas que desarrollan actividades e iniciativas de dinamización social y cultural de sus barrios.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Joaquín Vaquero Palacios, el genio que convirtió centrales eléctricas en galerías de arte

Joaquín Vaquero Palacios trabajando en los relieves del acceso a la Central de Miranda, 1962
Joaquín Vaquero Palacios trabajando en los relieves del acceso a la Central de Miranda, 1962

 El arquitecto, pintor y escultor ovetense Joaquín Vaquero Palacios, hizo de los fríos edificios industriales, una obra artística imposible de superar en grandeza, tanto creadora como arquitectónica. Una exposición, que puede verse en Madrid, en el Museo ICO, hasta el 6 de mayo de 2018, muestra la obra desarrollada por Vaquero Palacios en cinco centrales hidroeléctricas de Asturias.

La exposición “Joaquín Vaquero Palacios. La belleza de lo descomunal. Asturias, 1954-1980” se centra en el trabajo que, fruto de 30 años de colaboración con Hidroeléctrica del Cantábrico, materializó en cinco centrales eléctricas asturianas concebidas como obras de arte total.

Joaquín Vaquero Palacios, Central hidroeléctrica de Proaza (Asturias), 1964-1968

Prolífico artista en todas las disciplinas, Vaquero Palacios creó para la centrales, solo o en colaboración con su hijo Joaquín Vaquero Turcios, murales alegóricos, esculturas megalíticas, mobiliario de vanguardia, diseño industrial aplicado a maquinaria industrial y en algunos casos incluso mejoras arquitectónicas que hacían de sus espacios en unas catedrales industriales llenas de arte, diseño y funcionalidad. Lugares que vistos hoy fuera de contexto parecen traídos a la tierra por una inteligencia extraterrestre.

El pasado 30 de marzo viajé hasta Proaza (Asturias) y realicé una serie de fotos con la que he actualizado la foto de portada de este artículo y comparto estas otras fotos realizadas de la Central hidroeléctrica de Proaza (Asturias) (Joaquín Vaquero, 1964-1968)

 

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Foto: @MoisesMnndz
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Foto: @MoisesMnndz
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Foto: @MoisesMnndz

Las cinco centrales eléctricas asturianas concebidas como obras de arte total: Salime (1945-1955) –uno de los mejores ejemplos de arquitectura industrial española adscrita al Movimiento Moderno–, Miranda (1956-62), Proaza (1964-68), Aboño (1969-1980) y Tanes (1980). Murales, esculturas, mobiliario, diseño industrial –en solitario o con la colaboración de su hijo, Joaquín Vaquero Turcios– y, en algunos casos, incluso la arquitectura, convierten a Vaquero Palacios en un hombre renacentista que fue capaz de transformar las enormes estructuras de estas centrales eléctricas en auténticas catedrales industriales del siglo XX.

En el interior de la Central Hidroeléctrica de Grandas de Salime diseñó la escalera interior que da acceso al Cuadro de Mandos y las lámparas que dan iluminación al interior

 

Central hidroeléctrica de Grandas de Salime

Joaquín Vaquero Palacios y Joaquín Turcios, diseño de sillón-turbina de la Hidroeléctrica de Grandas de Salime (Asturias)

Joaquín Vaquero Ibáñez, comisario y nieto del artista polifacético, seleccionó una serie de maquetas y planos originales, bocetos, fotos de época y objetos industriales, que se muestran junto a noventa fotografías de Luis Asín, realizadas específicamente para esta exposición. Consideradas destacados ejemplos de patrimonio industrial español, las obras de Vaquero Palacios toman como constante la dignificación de los lugares de trabajo mediante la creación artística y el diseño arquitectónico, atenuando la sensación de soterramiento en centrales subterráneas excavadas en roca viva, con túneles laberínticos y grandes dimensiones, que en ocasiones alcanzan más de 300 metros de profundidad.

Entre estas construcciones destaca la central de Grandas de Salime. El embalse del mismo nombre fue en su momento la mayor presa de España y alteró por completo el paisaje de la cuenca del Navia.  La central es una central hidroeléctrica del tipo “pie de presa”, con una singularidad que la distingue del resto: está situada bajo el aliviadero de la presa. Es de destacar la huella artística dejada en la central y la presa por los arquitectos y artistas Joaquín Vaquero Palacios y Joaquín Vaquero Turcios, padre e hijo respectivamente, cuyos diseños, elementos decorativos, bajorrelieves y murales, sobre todo el gran mural de la sala de turbinas, enriquecen sobremanera y hacen especial esta central. Esta titánica obra constructiva que constituye uno de los mejores exponentes del patrimonio industrial del agua en Asturias.  La Central de Grandas de Salime se puede visitar de forma gratuita y previa reserva todos los jueves del año menos festivos. 

Comparto algunas fotos más que hice en la magnífica exposición de Joaquín Vaquero Palacios. ¡Espero que os gusten y no dejéis de visitarla!
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Central hidroeléctrica de Grandas de Salime (asturias)
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Joaquín Vaquero Palacios, Central hidroeléctrica de Tanes (Asturias), 1980.
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Exposición de exposición “Joaquín Vaquero Palacios. La belleza de lo descomunal. Asturias, 1954 – 1980”. Museo ICO de Madrid. Foto: @MoisesMnndz
Sala de control
Sala de control.
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Exposición de exposición “Joaquín Vaquero Palacios. La belleza de lo descomunal. Asturias, 1954 – 1980”. Museo ICO de Madrid. Foto: @MoisesMnndz

 

 

 

 

 

 

 

 

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